【記者　施佳樂／綜合報導】

隨著 AI 音樂工具快速發展，創作門檻大幅降低，也引發 AI 音樂將成為工具還是可能取代專業音樂人的討論。透過不同背景音樂人的創作歷程與觀點，可以發現真正難以被複製的，或許不是技術，而是生命經驗、文化認同與獨特表達。

當 AI 開始寫歌

隨著人工智慧技術普及，其應用範圍已從資料整理、文字生成等領域，逐漸擴展至文化創意產業。打開 AI 音樂生成工具網站，輸入「溫暖的民謠風格」、「描述離鄉遊子的思念」等文字指令，不到一分鐘，一首包含歌詞、旋律、人聲與編曲的完整歌曲便能即時生成。

近年來，Suno、Udio 等 AI 音樂生成工具快速發展，讓原本需要投入多年時間學習樂理、樂器演奏、錄音與編曲等專業技能才能完成的音樂創作，大幅簡化為輸入提示詞即可完成的過程。創作門檻的下降，使更多人有機會參與音樂創作，也重新改變大眾對「創作者」的想像。

然而，當機器開始具備作曲、編曲甚至模仿特定音樂風格的能力，音樂圈也出現新的討論：當 AI 也能寫出悅耳動聽的歌曲，人類創作者的價值是否正在被重新定義？而面對 AI 音樂的浪潮，擁有不同創作背景與經驗的音樂人，也都給出截然不同的答案。

AI會取代音樂人嗎？

擁有古典與爵士背景、長期參與實驗聲響與跨域創作的音樂人王思雅認為，其實早在 AI 普及之前，數位音樂工作站（DAW）<註一>，就已經開始逐漸降低音樂創作門檻，也成為音樂產業的重要轉捩點。

隨著數位音樂工作站普及，創作者不再完全受限於是否具備實體樂器演奏能力。軟體內建大量音色資料庫與編曲功能，只需要透過鍵盤輸入 MIDI<註二>，便能快速完成旋律、鼓組甚至基礎編曲架構。王思雅提到：「你拉一個 MIDI 進去，它就會自動幫你產生一些東西，我會覺得那其實已經算是 AI 的前兆。」她認為，音樂創作工具本來就一直朝著更方便、更直覺的方向發展，而 AI 的出現，只是這個過程的延伸。

然而，當 AI 開始不只是輔助工具，而是逐漸具備生成歌詞、旋律、編曲，甚至模仿特定音樂風格的能力時，也讓不少音樂人開始重新思考：當創作變得越來越快速且便利，人類創作者是否有一天真的會被取代？

對於 AI 是否會取代創作者，音樂人們也抱持不同觀點。身兼軟體工程師與農民武裝部隊樂團貝斯手蔡憲認為，關鍵其實在於，音樂究竟是「創作」，還是單純的「需求」。他以配樂工作為例指出，當創作者替影像作品配樂時，仍然會加入自己對畫面的理解、審美與個人觀點，蔡憲說：「你當然會以自身的觀點去做這件事情，也會賦予你自己個人的品味在這首創作裡面。」然而，當作品被簡化成「只需要一段能配上影片的音樂」時，音樂本身便容易被視為功能性需求，而 AI 也更容易進入這個市場。

而王思雅則提到：「現在 AI 最容易介入的，其實還是流行音樂。」她指出，流行音樂本身就存在相對明確的製作流程，例如歌詞、旋律、和弦，再延伸到貝斯、鼓與編曲等部分，有個相對明確的分工系統，因此也較容易被 AI 學習與模仿。相較之下，實驗聲響、爵士編曲甚至傳統戲曲等創作邏輯則完全不同。王思雅表示，像實驗聲響創作中，很多內容本來就沒有固定格式，因此也很難透過 Suno 這類工具大量生成。不過，她並不因此排斥 AI，即使使用相同工具，創作者對音樂的理解與敏銳度仍會影響最終成果，她直言：「有能力的人，不會因為 AI 誕生就被淘汰。」在她看來，AI 讓更多人開始接觸創作，反而可能讓整體文化環境變得更加活絡。

長期參與學生創作樂團、著手編曲與混音工作的郭玉皓則觀察，儘管目前 AI 已經能生成足以讓人驚艷的作品，但長時間聆聽後，仍能逐漸辨識出 AI 音樂特有的「平均感」。他指出，許多 AI 生成作品在聲部、混音與母帶處理上都過於工整，整體聽感上其實都很相似，即使曲風不同，後期處理的質地仍十分接近。

郭玉皓與團員共同討論編曲內容。對許多創作者而言，音樂不只是產出作品，更是彼此交流、碰撞出火花的過程。【記者　施佳樂／攝影】

目前於日本音樂學校就讀，主修編曲與貝斯的音樂人鳳梨則認為，AI 音樂目前仍缺乏某種「活著的感覺」。他回憶，自己曾在翻奏貝斯（Bass Cover）時，接觸過一首非常喜歡的 AI 歌曲，甚至覺得其中有許多值得延伸發展的想法。然而在他看來，人類創作者在演奏與創作時，往往會留下許多難以量化的細節，例如演奏時刻意的輕重變化、速度上的些微擺動，甚至是不那麼完美卻充滿個人特色的處理方式。這些細微差異未必符合標準答案，卻往往也是作品最具生命力的地方。

不過，隨著 AI 生成能力持續進步，未來是否可能進一步模仿人類創作者的情感與風格也猶未可知，郭玉皓認為 AI 取代部分人類創作其實可能只是時間問題，隨著資料量與技術持續發展，AI 或許也會逐漸發展出屬於自己的特色。

無論是將 AI 視為威脅、工具，或是產業發展的必然結果，多數受訪者都認為，AI 所取代的往往是創作流程中的某些環節，而非創作者本身。當技術門檻逐漸被降低，人們也開始重新思考：音樂創作真正重要的，究竟是完成作品的能力，還是作品背後所承載的經驗與意義？

創作無法被複製的部分

談到 AI 時代下，創作者真正難以被取代的部分，多位受訪者都不約而同提到創作的「脈絡」。蔡憲認為，人類創作者與 AI 最大的差異，在於人會不斷連結自身的生命經驗與長期累積的聆聽脈絡。他指出：「你可能會覺得這個音色像哪個團、這段編曲是不是受到誰影響。」對他而言，這些建立在文化經驗與長期吸收上的感受，其實正是音樂迷理解作品、也是音樂之所以迷人的原因。

蔡憲以草東沒有派對樂團為例，提到當草東剛走紅時，確實有許多樂團開始模仿其風格，但真正能留下來的團體，往往會在後續創作中逐漸加入自己的元素與個人特色，他說：「每個人的背景本來就不一樣。」有人從小聽台語歌長大，有人青春期才開始接觸流行音樂，而那些長期累積下來的文化與生命經驗，最後都會成為創作的一部分。

同樣感受到創作承載著生命的重量，還有長期投入母語創作的好日樂團主唱憶慈。畢業於國立臺灣藝術大學圖文傳播系的憶慈，原先並非音樂相關科系出身，大學畢業製作期間，她與組員在討論文化主題時，意外發現彼此雖然都是客家人，卻幾乎都不太會說客語。她感嘆：「好像我們這個世代很多人都是這樣。」

因此，他們開始走訪客庄、訪談母語創作者，也試著透過創作重新理解自己的文化與語言。憶慈坦言，自己從小其實只聽得懂客語，家中長輩並不會直接用客語與她溝通，因此一開始對母語創作既陌生又好奇。隨著創作逐漸累積，她也開始重新思考，自己為什麼想持續進行母語創作，後來她才發現，原來這件事情其實與自己的生命經驗有很深的關係。她回憶道：「因為我爸爸是客家人，可是他從來沒有跟我講過客家話。」由於父親早年因病離世，她始終對自己與母語之間的斷裂感到遺憾。直到開始創作客語歌曲後，才逐漸重新感受到與家人的連結。

「每次聽到客語，我都會想到家人，想到阿婆，想到爸爸跟奶奶用客語聊天的樣子。」對憶慈而言，創作是一種重新理解自己、家庭與文化的過程。

從舞台上的客語歌聲，到創作者對家庭記憶的追尋，母語創作成為憶慈重新認識自身文化的重要途徑。【圖片來源　好日樂團主唱憶慈／提供】

王思雅則進一步指出，真正容易被取代的，反而是那些「對世界或社會不敏感的人」。她認為，即使有些創作者技術成熟，但作品仍可能停留在非常淺層的狀態。她以海綿蛋糕比喻：「海綿蛋糕大家都可以做，但如果今天要談它背後的文化脈絡與歷史，那些東西就不是每個人都做得到的。」

長期關注公共議題與紀錄片創作的她坦言，自己雖然也會觀看 AI 短劇，但多數作品看完就過去了，不會記得角色、演員甚至平台名稱。相較之下，那些經過長時間田野調查、真正深入理解社會與人的作品，才更難被取代，她更直言：「如果你覺得這個世界跟你沒有關係，那世界也會覺得跟你沒有關係。」

長期投入跨域展演與公共議題創作的王思雅認為，真正難以被取代的作品，往往來自創作者對社會的深刻觀察。【圖片來源　實驗音樂人王思雅／提供】

儘管 AI 已經能快速生成旋律與編曲，但多位受訪者都提到，人們真正會長期投入、追隨與喜歡的，很多時候仍然是創作者本身。蔡憲認為，當聽眾認真投入一首作品、開始試圖理解創作者的背景與理念後，如果最後發現作品其實主要由 AI 完成，他直言：「會有一種被騙的感覺。」

憶慈則認為，人們之所以喜歡偶像、樂團或創作者，很大一部分是因為「喜歡這個人」。大家會想知道創作者在做什麼、為什麼創作、過著什麼樣的生活，甚至願意為了現場演出買票、支持作品，她指出：「其實大家享受的，不只是作品，而是創作的過程跟人本身。」

在學生創作樂團擔任鼓手的施向鴻也表示：「我覺得我喜歡的東西是跟大家一起練團的感覺，可能我們沒有做出很好的東西，但我覺得我蠻喜歡跟大家一起在同一個地方發掘出某些東西的感覺。」

這些觀點無一不揭示一件可能被忽略的事：音樂在服務聽眾之前，首先是服務創作者本身。
對音樂人而言，創作不只是產出作品，更是試圖透過音樂，將自己想說的話傳達給聽眾的過程。而 AI 即使同樣能夠生成旋律與情感，卻始終缺乏真正「想要表達」的動機。

當音樂人與AI共存

相較於將 AI 視為威脅，也有部分受訪者更傾向把它視為新工具，甚至認為 AI 的出現，更像是一種文化產業的重新分眾與轉型。王思雅認為，AI 音樂與真人創作未必是互相競爭的關係，而更像是不同內容形式的分流，未來不同類型的內容勢必會對應不同受眾。或許真的會有人只聽 AI 音樂、只看 AI 短劇，但那些真正重視創作者、文化脈絡與作品深度的人，依然會選擇真人創作。她說：「不看 AI 的人，依舊還是不會看。」AI 的出現並不一定代表取代，而更可能讓市場分眾變得更加明確。

同時身兼音樂人與平面設計師的憶慈也認為，AI 的出現勢必會影響部分工作，但這更像是一種產業轉型的過程。她指出：「所有需求其實都是流動性的。」她表示，自己目前並沒有因為 AI 而感受到案量減少，反而更在意如何透過 AI 提升工作效率。她認為如果客戶只是想快速、省錢地完成作品，那本來就不是自己的客群，而真正重視質感、個人風格與情感的人，仍然會選擇真人創作者，她坦言：「不要太懼怕 AI，但不能讓 AI 來決定你要寫什麼。」

鳳梨也抱持類似看法。由於平日幾乎從早到晚上課，週末還得至樂器行兼職與參與樂團活動，他坦言自己其實非常在意「時間成本」。因此，若 AI 能協助完成 示範帶（demo）<註三> 製作、背景配樂或混音等重複性高、耗時的工作，會是件不錯的事，他直言：「如果好用的話，當然很好啊，可以多睡一點。」

鳳梨於日本樂器行工作期間試奏貝斯。對他而言，音樂不只是興趣，也是日常生活與職涯規劃的一部分。【圖片來源　貝斯手鳳梨／提供】

回歸到創作的本質

或許 AI 終究會持續進步，甚至逐漸改變音樂產業原本的創作與工作模式，但在這些音樂人眼中，創作從來不只是「做出一首歌」而已。在他們之中，幾乎每個人都曾歷經剛踏入音樂產業時最艱難的階段，慢慢在生計與熱愛之間找到屬於自己的位置。而支撐他們一路走到今天的，也從來不只是市場、流量或收入。有人透過創作重新理解自己的母語與家庭，有人享受和團員一起練團、慢慢摸索聲音的過程；也有人離開熟悉的環境，到陌生國家重新開始，只為了離音樂人的夢想更近一步。

當 AI 讓創作變得越來越快速之後，人們或許反而重新意識到，那些真正珍貴的，從來不只是作品本身，而是創作者為什麼想創作。比起「AI 能不能寫歌」，更重要的問題或許其實是：當機器也開始創作之後，人類為什麼仍然想繼續做音樂。而這個問題的答案，或許就藏在那些無法被複製的人與故事裡。

<註一>DAW（Digital Audio Workstation，數位音樂工作站）：一種用於錄音、編曲、混音與音樂製作的軟體。創作者可透過 DAW 將人聲、樂器與數位音訊整合在同一平台進行編輯，是現代音樂製作最常見的工具之一。常見軟體包括 Logic Pro、Ableton Live、Cubase、Pro Tools 等。
<註二>MIDI（Musical Instrument Digital Interface，樂器數位介面）：一種記錄音高、節奏、力度等演奏資訊的數位格式，本身不包含聲音，而是記錄演奏指令。透過 MIDI，音樂製作軟體可以將這些資訊轉換成鋼琴、鼓組、弦樂等不同樂器聲音，廣泛應用於數位編曲與音樂製作。
<註三>Demo（Demonstration）：指歌曲正式錄製與發行前的示範版本，通常用來記錄創作構想、旋律、編曲方向或製作概念。Demo 不一定是最終完成品，但能作為創作者後續編曲、錄音與製作的重要參考。